Entrevista a Chuck Prophet con motivo de la gira de presentación del álbum 'Wake The Dead'

18 de noviembre de 2024
Autor: Juanjo Mestre.

Entrevista a Chuck Prophet con motivo de la gira de presentación del álbum ‘Wake The Dead’ por Bilbao, Santander, Madrid, València, y Zaragoza.

… me convertí en una especie de evangelizador. La música fue mi salvación cuando estaba enfermo. Me sacaba de mi cabeza. Me convertí en un predicador, coleccionaba discos viejos de América Latina y enseñaba a mis amigos nuevas mezclas cada vez que venían de visita. La cumbia sirvió de fiel compañera musical durante mi tratamiento. Y hoy, estoy 100% en remisión. Aunque siempre viviré con linfoma. Los médicos lo vigilan…

J.J.: Hola Chuck, muchas gracias por esta entrevista, como creo que sabes eres muy valorado con especial devoción por la totalidad de miembros que dirigimos el Exile SH Magazine y por buena parte de sus lectores. Lo primero de todo preguntarte por los duros días con el tema del linfoma, por la recuperación y por tu estado de salud actual.

C.P.: Se sucedieron muchos asuntos mezclados. Muerte, problemas de salud, problemas financieros, los he tenido todos en los últimos años. Perdimos a mi padre y también al padre de Stephie. El sótano se inundó. Se me salió el hombro. Me salió urticaria en el 80% del cuerpo; estuve en cuarentena. El único respiro que tuve fue cuando mis médicos estaban todos en el mismo edificio. Ah, y casi me matan unas siete veces en coches alquilados en medio de tormentas de nieve, en que me perdí de camino a los conciertos. Me robaron la furgoneta con mi tabla de surf, mi traje de neopreno y el resto. ¿Mencioné que hubo una pandemia?

Y luego me contagié de linfoma. Todo ese asunto del linfoma volvió a borrar el calendario cuando comencé los seis meses de tratamiento. Mi banda me apoyó. Y mi equipo de gestión —Chris Metzler en el Reino Unido y Daniel Strickland en Norteamérica— me apoyaron. Bajé la cabeza e hice lo que los médicos me dijeron que hiciera. Y después de seis meses de quimioterapia, me libraron de todo el cáncer.

Cuando estaba en tratamiento, todavía tenía unas dos semanas buenas al mes, en las que me sentía más o menos normal. Y muchas veces iba en coche hasta Salinas para tocar música con los chicos de Qiensave, un excelente grupo de hermanos que tocan cumbia. La música me levantaba el ánimo, aunque mi cerebro estaba un poco aturdido.

J.J.: Si no me equivoco, durante la fase de recuperación del tumor maligno que afecta el tejido linfático, el género musical de la cumbia apareció como compañía, digamos también como soporte e, incluso más tarde, como fuente de inspiración en un nuevo disco “Wake The Dead”. ¿Es esto correcto?

C.P.: Sí, tuve mucho tiempo para escuchar. Me dio tiempo para oir música cuando normalmente estoy corriendo de un lado a otro, preparándome para salir de gira. ¡Intentando aprender mis propias canciones!, o estoy escribiendo y concentrado en hacer un disco… O escribiendo o produciendo para alguien más… Pero, entre la pandemia y mi diagnóstico, me dio tiempo para realizar algún capricho. Y me obsesioné con la cumbia.

Y sí, me transformé en una especie de evangelizador. La música fue mi salvación cuando estaba enfermo. Me sacaba de mi cabeza. Me convertí en un predicador, coleccionaba discos viejos de América Latina y enseñaba a mis amigos nuevas mezclas cada vez que venían de visita. La cumbia sirvió de fiel compañera musical durante mi tratamiento. Y hoy, estoy 100% en remisión. Aunque siempre viviré con linfoma. Los médicos lo vigilan.

En cuanto a la cumbia, algunos dicen que comenzó en las selvas de Perú y Colombia. Y se convirtió en un fenómeno durante la década de 1960. De hecho, había tanta demanda de cumbia en México que los DJ viajaban a Colombia solo para traer discos. ¡Eso sí que es tráfico! Debo decir desde el principio que no soy un experto. No soy musicólogo. De hecho, me encantaría ser tan preciso con la cumbia como lo fueron The Clash con el reggae.

J.J.: En esa sorprendente y arriesgada fusión de estilos que se desprende del álbum y que, en cierto modo, supone una ruptura con tus anteriores fórmulas musicales, ¿no temes que no sea entendida o que sea mal acogida por una parte más purista de tus fans?

C.P.: Sí, de hecho, no todo el mundo estuvo 100% de acuerdo. Creo que mi sello discográfico estaba nervioso. Y sé que mis agentes de contratación también estaban inquietos por si eso alejaba a los fans y los ahuyentaba. Pero yo soy un trovador. Y los trovadores por definición van a lugares. Y se llevan al público con ellos. ¿Qué más puedo hacer? ¿Y si tuviera que volver a tocar para 12 personas? Bueno, eso ya lo he hecho antes… No tengo miedo. También debo decir que una vez que todo el mundo escuchó la música, empezó a relajarse. Y se dijeron a sí mismos: “¡Esto suena a un disco de Chuck Prophet!”. Así que todo está bien. He estado encantado con la respuesta del público. Sé que mis fans son geniales. Así que no me sorprende del todo que la mayor parte lo haya aceptado.

J.J.: Hay un asunto relacionado con el disco que me parece muy importante, el de cómo surgió la relación con los miembros de ¿Qiensave?, el grupo californiano de Salinas que toca cumbia urbana con raíces mexicanas. ¿Os conocíais con anterioridad o el contacto se produjo después de concebir el disco? Por otro lado, ¿en qué medida ellos contribuyeron al resultado final del álbum más allá del añadido instrumental de acordeones, congas, güiras…?

C.P.: Mi manager, Daniel Strickland, sabía que yo estaba obsesionado con la música cumbia. Como ejemplo, fui a Modesto a ver a una banda llamada Valley Wolf que son súper geniales. Y Daniel estaba trabajando en un club en Valencia Street del Mission District cuando una noche estos chicos de Salinas (una comunidad agrícola a unas tres horas al sur de San Francisco) llegaron en su camioneta Econoline. Y cuando empezaron a tocar una canción en el soundcheck, inmediatamente me llamó y me dijo: «Deberías venir a ver a estos chicos. ¡Están tocando el tipo de música que escuchas!».

Y tenía razón. Fue una noche fantástica. Y el comienzo de una gran relación. Simplemente un grupo fantástico, maravillosos como músicos y personas. Son mis maestros. Para tratar de responder a tu pregunta, ellos contribuyen mucho.

Entonces, todo este escuchar y explorar con otros músicos y buscar, viajar y coleccionar discos se fue sumando en el tiempo… así que, supongo que, en última instancia, es una historia de gestación. Han pasado cuatro años. Eso es mucho tiempo entre LPs para mí. Una eternidad, en realidad. ¿Qué estaba haciendo? Como dije, escuchando música. Coleccionando discos. Pinchando. Yendo a la noche de cumbia todos los sábados en el Make Out Room, conduciendo hasta Salinas y tocando con Qiensave. Eso es lo que estaba haciendo.

También escuchando «Chicha», un subgénero de cumbia que surgió en Colombia y Perú en los años 60, además de algunos de los grupos de cumbia modernos. Todas las guitarras con trémolo distorsionado. Los tonos surf. Y las líneas de bajo. Farfisa, acordeón… ¡y ese ritmo! Absorbí algunas de esas raras melodías árabes de la jungla que los chicos de la guitarra surf adaptaron. Hasta que empezaron a salir de mis dedos. Entonces, lo que estaba intentando era un poco diferente: tratar de poner mi voz por encima de todo, mapear mis canciones sobre los ritmos. Quería hacer con la cumbia lo que los Clash hicieron con el reggae, poner mi propio sello en el asunto, canciones con historias.

Además, en canciones como «One Lie for Me, One for You» también hay estilos Doo Wop de los años 50, sin mencionar el estilo bolero de «Red Sky Night». También entran en juego muchos otros ritmos latinos. Toques de salsa, bossa nova, samba y el resto… Todos primos entre sí. Simplemente lo tiro todo a la olla y lo pongo a hervir para ver si puedo beberlo. Es una mezcla increíble. Una mezcla fuerte.

J.J.: En la mayoría de las letras también tengo la sensación de que hay una inspiración relacionada con el estilo folclórico, como en “Betty’s Song”, “Give The Boy A Kiss”, “Old Crime”, “In The Shadows (for Elon)”, “First Came The Thunder”… ¿Me equivoco?

C.P.: «First Came The Thunder” es una de las primeras canciones que aparecieron. Kurt Lipschutz y yo le dimos bastantes vueltas durante un tiempo. Algunas personas piensan que es una canción sobre el “cáncer”. Otros piensan que se trata de Trump. Nosotros pensamos que es una canción de amor, tal vez una de esas que mezclan amor y traición. Pero los compositores siempre son los últimos en enterarse. La retomamos y la dejamos en más de una ocasión. Esta fue la versión que se mantuvo firme por sí misma, especialmente después de que James DePrato la llevara a casa con esas líneas de guitarra en 12 cuerdas y barítono. Además, “Jandro” (o Flaco El Jandro Gómez) es un músico muy talentoso, que aporta el sabor aquí, desenvolviéndose con fluidez en instrumentos como el Bajosexto y el The Tres, y siempre encontrando un sonido que puede salvar la brecha entre todas las guitarras eléctricas.

J.J. Háblame muy concretamente de “Sally Was A Cop”, donde aparecen niños obligados a cavar las tumbas de sus padres. ¿Qué inspiró esta canción, que, por cierto, me parece extraordinaria?

C.P.: Hay una desolación existencial en esa canción, fuertemente influenciada por Cormac McCarthy. La escribí con Alejandro Escovedo hace un par de años. La gente habla sobre el apocalipsis inminente. Algunos días miro a mi alrededor y pienso que el apocalipsis ya está aquí. 35 cadáveres tirados en la autopista de Veracruz en hora punta. Eso es lo que estaba sucediendo en las noticias cuando estábamos escribiendo esta canción. Sí. Ahora mira al futuro y empieza a imaginar lo jodido y violento que será.

Además estaba leyendo a Cormac MacCarthy en aquellos momentos. En una entrevista, Cormac MacCarthy habló sobre escribir «Blood Meridians». En su brutal epopeya del pasado, McCarthy se mantuvo fírmemente instalado en la idea de un futuro apocalíptico: el nuestro. «Si escribí sobre la violencia de manera exagerada, es porque estaba mirando hacia un futuro que imaginaba sería mucho más violento», afirmó. Y lo es. ¿Puedes recordar que hace veinte años aparecieran decapitaciones en la televisión? Yo no.

J.J.: Quizás por el mayor protagonismo del teclado farfisa de Brad Jones, el tema “Sugar Into Water” me retrotrae en algunos detalles al álbum “Night Surfer”. En cuanto a su letra sobre convertir una canción en oro, ¿podemos decir que es la búsqueda de la melodía perfecta?

Un día estaba rasgueando acordes, chillando a las paredes, y grité “Azúcar en agua, agua en vino”. No tenía idea de lo que eso significaba… Pero cuando Kurt Lipschutz apareció, me dijo que era una canción sobre alquimia. ¿Y quién era yo para discutir eso? Así que la desarrollamos en consecuencia. Y sí, muy bajo la influencia de Doug Sahm en ese momento. Sir Doug, Texas Tornadoes, todo el sonido tejano. Debo mencionar que Vicente Rodríguez toca la batería en esta canción. Le da ese denso ritmo de San Antonio que proporciona una gran base para el acordeón, el órgano y la guitarra bajosexto… Vicente es nativo de San Antonio. Y esta música está en el agua allí, y corre por las venas de Vicente.

J.J.: “Red Sky Night” me parece bellísima, me recuerda mucho a algunas de las mejores canciones astrales de Van Morrison. ¿A ti también?

C.P.: Si escuchas eso, no discutiré. Mi amiga Elizabeth Nelson de The Paranoid Style me dijo que también escucha a Van Morrison aquí. Y si es verdad, eso también es hermoso. Me encanta cómo quedó. Para mí, las estrellas del show en esta pista son Qiensave. Los hermanos siempre suenan bien cantando juntos. Armonía de sangre, lo llaman. Y aquí son al menos tres de los hermanos Cortez cantando al mismo tiempo. Además, el Santo y el lap steel de Johnny empapado en reverberación son, de alguna manera, otro personaje de la canción, y James DePrato lo toca de manera encantadora.

J.J.: Antes de la pandemia escribí una crónica sobre la gira que hiciste con Charlie Sexton, interpretando el “Some Girls” de los Rolling Stones. En uno de los conciertos, observé mucho vínculo y mucha conexión entre vosotros dos, y ahora veo que la cosa continúa con “One Lie For Me, One For You”. ¿Qué me puedes decir al respecto?

C.P.: Charlie es mi gurú. Nos conocimos hace años en una cita a ciegas. Nos ofrecieron escribir juntos bajo la guiada dirección de Bob Nuewirth, amigo en común y una figura paterna en muchos sentidos. Bob nos conocía a cada uno de nosotros individualmente y estaba convencido de que juntos podríamos escribir algunas canciones geniales. ¡Y tenía razón!

Me encariñé al instante con Charlie. Es una persona muy musical, muy cálida y genial. Cuando toca la guitarra, es como una extensión de su cuerpo, el mástil de la guitarra es como otra extremidad. Años después, los promotores españoles que promocionaron la gira que hice de «London Calling», repasando de principio a fin ese disco de los Clash, se pusieron en contacto conmigo y me preguntaron si tenía otras ideas en ese sentido. No las tenía, pero entonces se me ocurrió que «Some Girls» era un proyecto que podía explorarse, pero solo si Charlie participaba. ¿Qué podía salir mal? Le envié un correo electrónico a Charlie y su respuesta fue rápida y concisa. Escribió: “Chuck Prophet, Some Girls, ¿España? ¿Estás bromeando?”. Aceptó.

En cuanto a “One Lie For Me, One For You”, fue una de las primeras que grabé para este disco. Escribí esa canción cuando estaba en esa tierra de nadie, entre el diagnóstico de cáncer y la incertidumbre sobre si era o no tratable. Fue una tortura, pero logré llegar a mi lugar feliz, que es mi oficina. Invité a Kurt a que viniera y no teníamos mucho de qué hablar. Así que rasgueé algunos acordes y grité a las paredes y en poco tiempo habíamos escrito esa canción.

Al principio, no le di mucha importancia. La consideré más un ejercicio para hacer algo que otra cosa. No de una manera seria. Al menos eso fue lo que pensé en ese momento. ¿Cómo lo sé? Bueno, la progresión de acordes, por ejemplo, no es particularmente original. De hecho, diría que es muy antigua. Probablemente sea más antigua que las colinas. Es la progresión de acordes que tocaron los mismos tipos que inventaron el sexo. La saqué de la nada. Solo para tener algo con lo que jugar.

Unos días después, estaba en Austin y tras tocar en algunos shows allí, me estaba preparando para comenzar la quimioterapia. Y cuando estaba grabando en el garaje de Matt Winegar (Matt es uno de los arquitectos de este disco en gran medida, podría escribir un libro sobre Matt) e Invité a Charlie. Así como al guitarrista, Don Leady de los Leroi Brothers. Y los tres o los cuatro si incluyes a Matt tocamos juntos y grabamos esta canción e inmediatamente hicimos los coros. Estaba completamente emocionado. Tenía ese carisma. El tipo de cosa que me hacía querer escucharla una y otra vez. Honestamente, no sé qué es esa cosa. Si supiera cómo hacer que eso suceda, lo haría cada vez. Pero… Fue un día maravilloso… Y le doy crédito a Charlie por su onda. Su voz. Y bueno, su enfoque a todo lo que toca… Estaba tocando la guitarra de 12 cuerdas y era hermoso.

J.J.: Vuelve a aparecer tu mujer Stephanie Finch, siempre está ahí, también como integrante de The Mission Express. Aprovecho para decirte de “Marathon”, el tema incluido en el anterior álbum “The Land That Time Forgot” de 2020, y a riesgo de parecer exagerado, me sigue pareciendo el mejor dueto vocal masculino/femenino que he escuchado de la música que me gusta en este siglo XXI. Ahora ella aparece también acompañándote en la balada que cierra el disco “Good Day To Be Alive”. ¿Podemos decir que esa maravilla es una celebración de vivir inspirada en todo lo vivido en los últimos tiempos?

C.P.: Hoy en día, a la gente le encanta hablar de sentirse “bendecida”, pero yo he sido triplemente bendecido. Combinar mi voz con la de Stephanie es un gran regalo. Y en términos de alquimia, bueno… es magia. He hecho algunas cosas inteligentes en mi vida. La más inteligente puede haber sido convencer a Stephanie de que se casara conmigo.

Quiero decir, ¿con quién más podría cantar “Good Day To Be Alive”? ¿Y en cuanto a “Marathon”? No podría estar más de acuerdo contigo. Esa canción fue bastante mágica. ¡Y ese fue un buen día para estar vivos! Puedo imaginarnos ahora en el estudio. Riendo. Encantada de cómo la canción parecía brillar. Y le doy crédito a Matt Winegar por realmente hacer que esas voces salgan de nosotros. La grabamos en su garaje en Oakland.

Ha sido un camino largo y sinuoso… Y un viaje increíble para ambos. Una experiencia compartida de principio a fin. Pero no todo ha sido arcoíris y unicornios. Por otra parte, creo que las relaciones en el mundo del espectáculo pueden ser muy frágiles. Quiero decir, basta con mirar a nuestro alrededor para ver que la mayoría de las veces resiste la prueba del tiempo. Pero no creo que estemos realmente en el mundo del espectáculo. Básicamente, hemos dirigido este negocio familiar durante años. Y eso solo puede derivar en una o dos de las siguientes cosas: a) acercarnos más. O b) Alejarnos. Todo esto nos ha acercado más. La pandemia nos unió. El cáncer nos acercó más. La música. Y siempre más música. Fue la música lo que nos unió primero. Stephanie me sostiene. Ella es mi rock.

J.J.: Se avecina otra gira por España, un país que conoces bien de otras ocasiones. ¿Alguna anécdota especial que puedas contarnos, o algo que te guste especialmente de esta tierra?

C.P.: Me resultaría imposible enumerar lo que España significa para mí. Cada café con leche en la carretera se detiene en una taza y un platillo de porcelana. Cada espectáculo. Cada ciudad diferente… Y simplemente la gente maravillosa. A mí y a mi banda también nos encanta ir a los clubes nocturnos donde a menudo escuchamos a los Sonics y a los Flamin’ Groovies a todo volumen hasta altas horas de la madrugada. En una palabra: el paraíso.

Sí, tenemos un cariño especial por esa tierra, obviamente. Ah, y no olvidemos que tienen el mejor público. Los españoles son nuestros maestros. Y solo espero que no haya demasiada Californication últimamente. Entiendo que el secreto ha sido descubierto. España puede ser el mejor lugar del mundo para vivir, trabajar y soñar. Espero que lo que la hace especial permanezca. Y que no se convierta en una tierra homogénea para que los refugiados de la Isla Angry (Inglaterra) la conviertan en una gran tienda de fish and chips. Porque si lo consiguieran, sería triste. Sería una tragedia. Cuidado con las cadenas corporativas. Al diablo con McDonald’s, al diablo con T-Mobile.

J.J.: Los lugares previstos para esta gira son Bilbao, Santander, Madrid, Valencia y Zaragoza. ¿Con qué músicos estarás acompañado para tocar en directo la mayoría de las canciones más recientes e, imagino, algunos temas más antiguos? Por cierto, me hace ilusión pensar en la posibilidad de poder volver a escuchar “Laughing On The Inside” en directo, es una canción que me atrapa profundamente.

C.P.: ¡Esa es una buena idea! Voy a ver si “Laughing On The Inside” funciona con esta formación. Ah, ¿y la banda de esta gira que me preguntas? Chuck Prophet and His Cumbia Shoes son… James DePrato (guitarras, voz), Vicente Rodríguez (batería, voz), Alejandro Gómez (guitarras, voz), Mario Cortez (percusión, voz) y Joaquín Zamudio García (bajo).

J.J.: Bueno, pues eso es todo Chuck, ha sido un auténtico placer esta entrevista. Gracias por tantas buenas canciones y mucha suerte. Como es norma de obligado cumplimiento para mi en todas tus giras, no faltaré a uno de tus conciertos.

C.P.: Espero verte pronto. Y debo decir que agradezco la atención que me has brindado a lo largo de los años. España se ha convertido en un gran mercado para nosotros. Y ha sido el resultado de gente de base como tú. Difundiendo el mensaje. A la vieja usanza. Así que por eso, te estaré eternamente agradecido. Nos vemos allí, amigo.